miércoles, 30 de noviembre de 2016

La historia de la tipografía


La historia de la tipografía es una gran parte de la historia de la humanidad y si se quiere se puede considerar uno de los orígenes del diseño gráfico. Te invitamos a conocer la historia de la tipografía, una historia plagada de belleza y diseño.
La primera escritura de la que se tienen registros surgió en la Mesopotámia en el año 4000 AC y fueron los sumerios quienes la idearon para identificar los productos en el comercio existente entre los ríos. Se les atribuye a los sacerdotes y escribas que eran los que contaban con el poder y el conocimiento

Para el 2800 AC aparece la escritura sobre renglones y se produce la evolución de Pictogramas a signos abstractos e Ideogramas. Surgió lo que se llama escritura cuneiforme (cuña).
Entre estos dos surgieron los Jeroglíficos egipcios (3100 AC) que fueron utilizados hasta el 394 AC.
¿Qué son los Fonogramas? 
Son Pictogramas que representan palabras. Fueron los Asirios quines se dedicaron a simplificarlos a 560 signos únicamente.


Contribución asiática en la historia de la tipografía

Los asiáticos inventaron la caligrafía, el papel y la imprenta, todo esto venía forjándose desde el año 2000 AC; pero en ese entonces el oriente estaba totalmente aislado de occidente.
La caligrafía china es 100% visual (diseños abstractos), no es alfabético. Los llamados Logogramas representan una palabra o idea y son unos 44000. El descubrimiento de la imprenta por parte de los chinos tiene 2 etapas:
1ª) Siglo III AC
Se utilizaban sellos de arcilla, tallados en Jade, Plata, Oro y Marfil.
En el año 165 DC se comienza a implementar las inscripciones en piedra con relieve entintado.

2ª) Siglo III DC
Aparecen los sellos positivos y negativos.
En el año 770 DC acontece la impresión más antigua, el grabado en madera (Xilografía).

La escritura cuneiforme, los jeroglíficos y la caligrafía china eran muy complejas, puesto que tenían cientos de caracteres.
Para luchar contra esa dificultad surge el alfabeto, que es un conjunto de símbolos visuales (caracteres) que representan sonidos (habla).
Los cientos de signos que existían se vieron reducidos a unos 20 o 30, lo cual era una verdadera revolución.
El primer alfabeto fue el semítico del norte. Los cananeos, hebreos, fenicios se unen para buscar un sistema de escritura propio y común a todos. El alfabeto semítico del norte presento una notable influencia cuneiforme, proveniente de Creta y Egipto.
En el 1500 AC se produce la adaptación acrofónica de los Jeroglíficos. Cada símbolo representa el sonido inicial del objeto y se crea en base a ello un sistema de 22 caracteres que era abstracto y alfabético.
El alfabeto arameo data del 850 AC y constaba de 22 letras. Tenía la particularidad de que se leía de derecha a izquierda y fue antecesor del alfabeto hebreo y árabe. Como dato vale destacar que constaba de 4 letras vocales.
El alfabeto griego tuvo dos etapas en su evolución. Hacia el año 1000 AC realizaron una adaptación del alfabeto fenicio sustituyéndole 5 consonantes por vocales. En el año 400 AC Atenas adoptó una versión para toda Grecia. Le aplicaron la estructura y el orden geométrico a los caracteres fenicios.
Al igual que los fenicios adoptaron una escritura de derecha a izquierda, pero luego adoptaron la llamada ‘Bustrófedon’, que era en zig-zag; para finalizar con el método de escritura ‘Dextrosum’, que era de izquierda a derecha.
En el año 323 AC Alejandro Magno llevó la cultura helénica a todo el mundo antiguo (Egipto, Mesopotámia y Grecia). Inclusive fundó la Biblioteca de Alejandría que llegó a ser la más grande del mundo antiguo, pero desgraciadamente se incendió.
Hasta aquí la primera parte de esta entrega dedicada a la historia de la tipografía. En próximas ediciones continuaremos repasando el avance que tuvo la historia de las letras.

Tendencias 2016 en Diseño Gráfico



Llega un nuevo año y todos empezamos a especular sobre lo que está por venir. Este artículo es un poco diferente a los que suelo hacer sobre tendencias. Esta vez voy a hablar sobre las que yo creo que serán las tendencias que marcarán el diseño a lo largo del 2016.
El 2015 fue una continuación del 2014 en lo que a tendencias de diseño gráfico se refiere. Diseños muy planos implantados por el Flat Design. Ausencia de sombras y degradados, hendidos y brillos, texturas, etc.
Las tendencias en el diseño gráfico vienen muy asociadas con la tecnología. Solo tenéis que ver que la llegada de los Smart Phones dio lugar al Responsive Design y este a su vez, con la intención de consumir menos tarifa de datos de los usuarios, dio lugar al Flat Design, un estilo muy minimalista donde los efectos hiper-realistas del 2012 y parte del 2013 brillaron por su ausencia.
Teniendo en cuenta todo esto, ahora estamos en un punto donde los móviles cada vez tienen las pantallas más grandes, a su vez las conexiones a internet ya son 4G y las tarifas de datos mucho más generosas y baratas. Por esta razón creo que el diseño gráfico y el diseño web volverán, como suele ser habitual, al punto donde lo habíamos dejado antes de la tendencia que vamos a dejar atrás, es decir, volveremos a ver sombras, brillos, degradados, texturas, etc., eso sí, como evolución y no como involución; veremos una fusión de ambos estilos: Colores planos con degradados, sombras, hendidos, luces, etc.
Tendencias: aquello que a unos les indica que hacer y a otros que no hacer.
Voy a listar punto por punto las características que tendrá el diseño del 2016.

1. El Flat Design se fusionará con el Diseñó Orgánico.

La unión de dos conceptos antagónicos puede dar como resultado una tendencia muy viva y original. Lo que antes era plano se elevará y adquirirá un relieve hasta ahora no visto.

2. Se volverán a ver elementos tridimensionales.

Las sombras y luces, brillos y hendidos, volverán a ser elementos muy utilizados. Los acabados minimalistas y planos serán sustituidos por elementos con profundidad, incluso en logotipos.

3. La paleta de colores será más neutral.

Fusión de colores vivos con grises. El conjunto de los colores se apagará un poco respecto a los orígenes planos y estridentes del Flat Design.

4. Los degradados en los logotipos se verán en más de una ocasión.

Ya empezó en 2015 y 2016 dará mucho más de estos ejemplos gráficos.

5. Volverán a reinar las tipografías sans serif light.

Nunca han dejado de utilizarse, pero el 2015 llenaba los diseños de tipografías script. Las fuentes cursivas pasarán a un plano más secundario.

6. Las formas abstractas se verán en muchos logotipos y diseños.

A pesar de utilizar realismo en algunos elementos, otros se verán representados con formas abstractas, dando como resultado unos diseños muy interesantes.

7. La Ciencia Ficción será un motivo recurrente en muchos diseños.

Con películas como “Marte” de Ridley Scott y el nuevo capítulo de “Star Wars” tan a las puertas del cambio de año, que nadie dude que este será un motivo bastante usado en el 2016.

Como veras, el 2016 puede llegar a ser un año muy interesante en lo que al diseño gráfico se refiere. Realismo mezclado con minimalismo puede ser es concepto realmente llamativo, y quien sabe si la fórmula del 2016 sea algo así: (-es+)x2.


Historia de la fotografía

La fotografía es un procedimiento que permite obtener imágenes de un objeto, que se fijan en un material fotosensible, basado en el principio de cámara oscura. La cámara oscura es una caja con un orificio en una de sus caras, por el cual entra la luz y se refleja en la pared enfrentada al orificio, de manera invertida.
La fotografía es el proceso de obtener imágenes visibles de un objeto, que se fijan en una capa de material fotosensible, basado en el principio de cámara oscura, que proyecta la imagen que capta un pequeño agujero en su superficie. Para almacenar la imagen se empleaba película sensible. En la actualidad se emplean cámaras digitales, y la fotografía se almacena en memorias digitales.

La fotografía cuenta con una larga historia de diferentes inventos y técnicas para lograr reproducir las imágenes. El desarrollo de la fotografía se debe principalmente a Joseph Nicéphore Niépce, y a Louis Jacques Mandé Daguerre, que la perfeccionó y dio a conocer, por lo que la impresión química de imágenes se conoció como daguerrotipia.

Historia de la fotografía:

Se cree que ya en el siglo V, Aristóteles hizo observaciones de los efectos de la luz, y sostenía que los elementos constituyentes de la luz, se trasladaban de los objetos al ojo del observador con movimiento ondulatorio, y construyó la primera cámara oscura que se conoce.
En el siglo VI dC, un alquimista árabe, Abd-el-Kamir, descubrió una emulsión fotosensible, pero no conocía la cámara oscura, por tanto jamás la aplicó.
En la segunda mitad del siglo XV, Leonardo da Vinci redescubrió la cámara oscura y la utilizó para dibujar objetos reflejados en ella.
El alemán Alberto Durero, también empleó la cámara oscura para realizar dibujos, lo cual llevó a que se popularizara como instrumento de dibujo en Europa.
La cámara oscura del Renacimiento eras del tamaño de una habitación para que el pintor se introdujera dentro a dibujar lo que se reflejaba. Colocaba un papel translúcido en la parte posterior frente al orificio por el que pasaba la luz, y el dibujante realizaba un dibujo invertido al igual que la imagen reflejada. El orificio debía tener un diámetro muy pequeño, para posibilitar la formación de la imagen.
En el siglo XVI, el físico italiano Giovanni Battista Della Porta, colocó una lente biconvexa frente al orificio, consiguiendo mayor nitidez y luminosidad en la imagen. Esto representó un gran avance para el desarrollo de la fotografía.
La fotografía nace en Francia gracias a las innovaciones tecnológicas de la época pre-industrial, e influenciada por la filosofía positivista, que establecía la necesidad de probar empíricamente cada elemento de la naturaleza.
En 1816, Niépce obtiene la primera imagen negativa sobre papel, con una cámara oscura. En 1826, realiza la primera heliografía con betún de Judea. En 1839, la cámara oscura se presenta en al Academia de Ciencias y Bellas Artes de Francia.
También en 1839, se divulga el descubrimiento del daguerrotipo, copia única sobre emulsión o soporte metálico (cobre), donde el líquido se aplicaba sobre la placa de cobre, se fijaba quedando plasmada sobre ella la imagen fotográfica. El daguerrotipo era caro, pesado y difícil de conservar, sin contar el largo tiempo de exposición que requería.
William Henry Fox Talbot, inventó el primer negativo en 1840, conocido como calotipo. Es un negativo de papel copiado sobre otra hoja, por contacto realiza el positivado. El papel era humedecido en una solución ácida de nitrato de plata, previo a la exposición y luego de ella, y nuevamente antes de ser fijada. Esto resultó un gran avance para la fotografía, ya que permitía hacer varias copias de un negativo. El tiempo de exposición era mucho menor, apenas de 1-7 minutos.



jueves, 24 de noviembre de 2016

Una recopilación de video tutoriales donde te enseñan a transformar cualquier fotografía de retrato, donde se vea un rostro de mujer o de hombre en texto. El efecto consiste en imitar el rostro, manteniendo las expresiones y formas de la persona que aparece en la foto.
Hay varias formas de conseguir ese efecto, algunas son realmente fáciles de hacer, otras necesitan un poco más de trabajo, por que hay que meterles sombras en lagunas letras para que den el efecto de profundidad.

Pero en general es un efecto que cualquier persona puede hacer, no importa el nivel de conocimientos que tenga de Photoshop. Y el resultado final es muy bueno, seguramente ya lo habrán visto en portadas de revistas o en portadas de libros.




Un tutorial con pasos muy simples para aprender a diseñar logotipos con el estilo y colores que se utilizaban en los años ochentas. Para hacer los logotipos se necesitan los programas Illustrator y Photoshop, además de la creatividad e imaginación de cada uno de ustedes.
Los logos y casi cualquier diseño que tuviera texto en los años ochentas, se caracterizaba primero por los colores. La moda era lo metálico, brillos por todas partes y los textos en perspectiva.
Estos textos eran muy comunes encontrarlos en las cajas de las películas en VHS o en posters de películas de cine. Los logotipos son tan representativos de esa época que cuando ves un texto con este diseño, de inmediato lo relacionas con esa época.

Tutorial para hacer diseños de logos con estilo de los años ochentas

Hay un tutorial que en lugar de seguir pasos, tienen recomendaciones. Por que no es nada complicado lograr el efecto, de degradado dentro de las letras, si tienes algo de experiencia utilizando Photoshop.


Eso se hace con la opción de Mapa de degradado. Seleccionas los colores que quieras, normalmente son dos, uno es el blanco y el otro color puede ser el que más te guste. Puedes meter más de un degradado en el texto textos, uno comenzando la letra y el otro lo metes a la mitad del texto.

Luego le colocas brillos y destellos por todas partes del texto. Eso lo logras con un pincel o puedes buscar uno en internet, descargarlo, instalarlo y luego utilizarlo. entre más brillos les metas, más ochentero se verá ti logotipo.







El año 2016 se termina y las empresas comienzan a publicar sus últimas campañas de publicidad del año. Pero eso no significa que el diseño gráfico no sea original o creativo, todo lo contrario. 
Las campañas de publicidad de las que hablaré en el post van desde productos 
que fueron elaborados para personas que cuidan su salud. La empresa GLORIA  lanzo al mercado un nuevo producto el yogurt de chia. También te mostrare una campaña de publicidad de HEINEKEN , donde juegan con espacios positivos y negativos. Y un par más de ejemplos con buenos recursos visuales e ilustraciones.









HISTORIA:




El Diseño gráfico es una actividad consistente en crear, organizar y realizar comunicación visual sea por medios de impresión o virtual , con objetivos determinados. Hoy en día tenemos varias áreas de diseño gráfico como: diseño web, diseño multimedia o diseño editorial, diseño industrial, etc. Contamos con experiencia en desarrollo de identidad corporativa, comenzando el logotipo, papelería corporativa y los diferentes elementos de publicidad gráfica para su empresa o institución, complementado nuestro servicio de diseño gráfico con la producción gráfica a gran escala. Nosotros contamos con la herramientas digitales y equipos necesarios para ofrecerle en mejor servicio.
Contamos con una galería de diseños exclusivos los cuales usted puede elegir como tarjetas personales, brochures o folletos, hojas membretadas, carpetas, catálogos  y muchos mas.


La artesanía




La producción de objetos, durante siglos, ha estado en manos, nunca mejor dicho, de los artesanos. Hay tres características que interesa destacar de este período.

Primera: el objeto artesanal era elaborado individualmente, no en serie, y por lo tanto había diferencias entre objetos del mismo tipo realizados por un mismo artesano. Diferencias que podían ser debidas a singularidades del material, al deseo del cliente, a la propia inspiración del artesano o a su pericia.
Segunda: el artesano mantenía con el objeto que elaboraba una relación directa y podía modificar en cualquier momento partes del mismo.

Y tercera: la evolución de los objetos artesanales responde a un proceso que Christopher Alexander denominó proceso "inconsciente de sí mismo". El oficio artesanal se transmitía de generación en generación basándose en el aprendizaje de las habilidades en el uso de las herramientas, el conocimiento de los materiales y los modelos formales del objeto que se estaba elaborando.

La evolución de los objetos artesanales se produce porque a lo largo del tiempo van introduciéndose pequeñas adaptaciones, pequeños cambios como consecuencia de nuevas necesidades o circunstancia' distintas en el uso del objeto o en los materiales empleados. Pero no existe por parte del artesano una consciencia de evolución. Eso es algo que llegará más tarde con la cultura del proyecto, que tiene su origen en el Renacimiento y que se desarrolla a partir de la Revolución Industrial.




El proceso cambia



 Las tres características del proceso artesanal de producción de objetos desaparece. Frente a la realización individualizada de cada pieza aparece la producción en serie y con ella, la homogeneización y el concepto del "estándar". La relación directa del artesano con el objeto ya no existe, ahora la intermedinción de una máquina cada vez más rápida y compleja impide que el objeto pueda ser variado o modificado durante su fabricación. Estos dos cambios obligan a que el objeto esté perfectamente definido antes de entrar en producción. Es decir, a que haya un proyecto previo. Y con él se produce el suficiente distanciamiento entre la idea y su materialización como para poder cuestionar el por qué del objeto, de sus características, de su utilidad o de su belleza. Y así lo que nunca había sido cuestionado, porque formaba parte de un proceso "inconsciente de sí mismo", pasa a ser sistemáticamente analizado, puesto en duda y, finalmente, tomado como base de todo proyecto. Ha nacido el diseño, es decir la disciplina proyectual cuyo fin es definir las características formales y estructurales de un objeto producido industrialmente.

Todo esto, evidentemente, no sucedió de la noche a la manana. Más de 150 anos fueron necesarios para encontrarnos, desde los inicios de la Revolución Industrial, con la que ha sido comunmente aceptada como primera relación entre diseñador y empresa. Es la que en 1907 iniciaron el arquitecto alemán Peter Bebrens y AEG. El mismo año en que se fundó la Deutscher Werkbund con el objetivo de promover la colaboración entre artistas e industrias. Pero antes de esto, ocurrieron muchas cosas que es necesario recordar para entender mqor qué es el diseño o, al menos, cómo es hoy en día.

La llegada de estos nuevos modos de producción y el consiguiente cambio en los procesos de creación de los objetos dio lugar a la aparición de un problema nuevo: ¿qué formas debían tener estos objetos producidos con técnicas y procesos tan distintos a los artesanales?

Durante un período inicial las industrias imitaban las formas artesanales que les habían precedido, sin considerar que las nuevas técnicas podían requerir otras soluciones. Las formas simples y geométricas impuestas por las nuevas tecnologías eran consideradas de mal gusto y disfrazadas bajo recargadas carcasas de estilo o bajo una profusión de ornamentos superficiales. Los objetos así producidos manifestaban un anacronismo formal y una incoherencia estructural que fueron denunciadas por intelectuales, arquitectos y artistas de la época, preocupados por la pérdida del buen gusto tradicional. Entres ellos destacaron especialmente Pugin, Morris y Ruskin quienes, dentro de la corriente del socialismo utópico, abogaban por la vuelta a la vida rural, frente al desarrollo caótico de las ciudades, y por el rechazo a la máquina como causante de todos los males sociales y de la regresión ética y estética.
 Su resistencia fracasó, pero paradójicamente fueron los primeros en poner las bases de lo que sería el movimiento moderno, al defender la sencillez de las formas y su adecuación a la función que han de cumplir, poniendo como modelo las formas de la naturaleza.

"Lo útil es bello", "la forma sigue a la función" y "menos es más" son las tres sentencias que definen y resumen la esencia del movimiento moderno, tanto en arquitectura como en diseño. El racionalismo y el funcionalismo acabaron definitivamente con el ornamento y se constituyeron como doctrina de un diseño que debía ser la base del progreso, de un mundo mejor y de un universo de objetos útiles y bellos al alcance de todo el mundo.
 Esta nueva utopía generó la época dorada del diseño, con la Bauhaus como referente más señalado, e invistió a la profesión de un aura casi mesiánica y de una responsabilidad frente a la cultura, al progreso y a la sociedad que todavía hoy perdura y que conviene analizar.


El diseño como cultura


El diseño es sin duda un fenómeno cultural. Desde la libertad creativa del proyecto el diseñador nos propone nuevos modos de uso, o nuevos referentes simbólicos, invitándonos con ello a establecer unas relaciones distintas con el entorno doméstico o urbano. El diseño es, además, quien configura en toda su variedad el universo de los objetos artificiales que responde en cada momento a las características culturales, políticas y sociales de la sociedad que lo crea y que es, a su vez, uno de los medios a través de los cuales nos relacionamos y comunicamos los seres humanos.

 Nacho Lavernia / Manuel Lecuona: Gestión del Diseño, en El valor del Diseño, Gráfico e Industrial. ADCV, 2000



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